ARTISTAS DE INTERES


Chema Madoz 
Chema Madoz (Madrid, 1958) és un fotògraf espanyol al que l'any 2000 li va ser concedit el Premi Nacional de Fotografia. Ha realitzat nombroses exposicions individuals, tant a Espanya com a l'estranger, i el conjunt de la seva obra, a més de ser respectada per la crítica, està aconseguint unes cotes de popularitat impensables per a altres artistes contemporanis.














Richard Avedon

 (Nueva York, 1923) Fotógrafo estadounidense. Empezó a practicar la fotografía a la edad de diez años: su primer modelo fue el compositor ruso Serguéi Rachmaninov, amigo personal de sus padres. Estudió la disciplina en la New School of Social Research, después de lo cual realizó trabajos para revistas de moda como Harper's Bazaar (1946-1965), Vogue (1966-1990) y el semanario The New Yorker. Avedon se convirtió en uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo, con un estilo caracterizado por el constante juego entre contrastes, tanto visuales (negro y blanco) como conceptuales (sofisticación y frivolidad). Entre sus trabajos más destacados cabe señalar así mismo numerosos retratos, a menudo austeros y hieráticos. En 1959 se publicó la primera antología de su obra fotográfica, Observations, seguida más adelante por Nothing personal (1974) y Portraits (1976), entre otras.




























Robert Mapplethorpe

Robert Mapplethorpe (Nueva York, 4 de noviembre de 1946Boston, 9 de marzo de 1989) fue un fotógrafo estadounidense, célebre por sus fotografías blanco y negro de gran formato, especialmente flores y desnudos. El contenido sexual de algunos de sus trabajos, calificados de pornografía, generó más de una polémica durante su carrera.


Mapplethorpe nació en 1946, el tercero de seis hijos, y creció en un entorno católico romano de herencia inglesa e irlandesa cercano a la Parroquia Nuestra Señora de las Nieves, en Floral Park, Nueva York, un vecindario de Long Island, que él mismo recordaba diciendo: «Yo vengo de la América suburbana. Se trata de un entorno muy seguro, y es un buen lugar para haber venido de él, en el sentido de que era un buen lugar para salir de casa».1 desarrollando desde su adolescencia un interés hacia el homoerotismo.2

Años de formación artística



Cursó estudios superiores en el Pratt Institute de Brooklyn desde 1963 a 1970, donde produjo obras de arte en una variedad de medios de comunicación. No utilizaba aún sus propias fotografías, pero en sus obras incorporaba muchas imágenes fotográficas que conseguía de varias fuentes, incluyendo páginas arrancadas de libros y revistas. Este temprano interés reflejaba la importancia de la imagen fotográfica en la cultura y el arte de su tiempo, incluyendo el trabajo de artistas tan notables como Andy Warhol, a quien Mapplethorpe admiraba enormemente.



Empezó su carrera como cineasta independiente y artista, usando fotografías en collages.3 Realizó sus primeras fotografías poco después utilizando una cámara Polaroid que le regaló un amigo.
[editar]Inicios en la fotografía

Todavía no se consideraba a sí mismo un fotógrafo, pero deseaba utilizar sus propias fotografías en sus pinturas, en lugar de imágenes sacadas de revistas. "Nunca me gustó la fotografía", fue citado diciendo, "No la fotografía en sí. Me gusta el objeto. Me gustan las fotos cuando las tienes en la mano". Sus primeras polaroids consisten en autorretratos y la primera de una serie de retratos de su amiga, la cantante-artista-poeta Patti Smith. Estas primeras obras fotográficas se presentaban generalmente en grupos o elaboradamente presentadas en marcos cuyas formas y pinturas eran tan importantes para el acabado de la pieza como la propia fotografía. El paso de Mapplethorpe a la fotografía como único medio de expresión ocurrió gradualmente durante mediados de los años setenta.

A mediados de la década de 1970, adquirió una cámara Hasselblad de formato medio y comenzó a tomar fotografías de un amplio círculo de amigos y conocidos, incluidos artistas, compositores, y gente de la alta sociedad, así como actores pornográficos y miembros de la comunidad sadomasoquista underground. Algunas de estas fotos fueron impactantes por su contenido, pero exquisitas en su dominio técnico. Mapplethorpe declaraba a ARTnews a finales de 1988, "No me gusta esa palabra, "chocante". Yo busco lo inesperado. Busco cosas que nunca he visto antes... Estaba en una posición en que podía tomar las fotos. Me sentí en la obligación de hacerlo".

Incluso después de que se diera a conocer como fotógrafo, Mapplethorpe se mantuvo interesado en el arte y en 1988 realizó un espectáculo con imágenes fotográficas impresas sobre tela. También fue coleccionista de fotografías, así como de mobiliario, telas y otros objetos de arte. Solicitado como fotógrafo editorial, realizó retratos de famosos para revistas como Vogue y Vanity Fair.

En la década de 1980 se refina su estética, realizando fotografías de desnudos de aspecto escultural, tanto de hombres como de mujeres, delicados bodegones de flores, y retratos de artistas y celebridades con un énfasis en la belleza formal clásica. El primer estudio de Mapplethorpe estaba en el 24 de Bond Street, en Manhattan. Para la década de 1980, Sam Wagstaff le dio 500.000 dólares para comprar un loft en el último piso del 35 West 23rd Street, donde vivía y tenía su estudio de trabajo. Mientras, mantuvo el loft de Bond Street como su cuarto oscuro. Mapplethorpe continuó desafiando la definición de fotografía mediante la introducción de nuevas técnicas y formatos para su obra: polaroids en color, fotograbado, platino impreso en papel y lino, Cibachromes e impresiones de tinta de color transferida, así como sus anteriores impresiones de gelatina de plata en blanco y negro.

Mapplethorpe produjo una obra consistente que se esforzaba por el equilibrio y la perfección, lo que le colocó entre los principales artistas del siglo XX. Aproximadamente un año antes de su muerte, ya enfermo, Mapplethorpe ayudó a fundar la Robert Mapplethorpe Foundation, Inc. Su visión de la Fundación era que sería "el vehículo apropiado para proteger su trabajo, para avanzar en su visión creativa, y para promover las causas que le importaban". Desde su muerte, la Fundación no sólo ha funcionado como su Patrimonio oficial y ayudado a promover su trabajo en todo el mundo, también ha recaudado y donado millones de dólares para financiar la investigación médica en la lucha contra el sida y la infección por el VIH.

Robert Mapplethorpe falleció en la mañana del 9 de marzo de 1989, en un hospital de Boston, Massachusetts, por complicaciones derivadas del sida, a los 42 años de edad. Sus cenizas fueron enterradas en la tumba de su madre, enQueens, Nueva York. Su nombre no aparece en la lápida, marcada con la palabra Maxey.
Obra Mapplethorpe trabajaba principalmente en el estudio, especialmente hacia el final de su carrera. Sus temas habituales incluían las flores, especialmente orquídeas y lirios de agua; retratos de celebridades, entre los cuales se cuentan el artista Andy Warhol, la cantante y actriz Deborah Harry, Richard Gere, Peter Gabriel, Grace Jones y Patti Smith (un retrato de Patti Smith5 de 1986 recuerda el autorretrato de Albrecht Dürer de 15006 ); el homoerotismo y los actos de BDSM (bondage y sadomasoquismo), incluida la coprofagia), y desnudos de reminiscencias clásicas.

La polémica en torno de su arte no fue casual. Mapplethorpe buscó la presencia de temática homosexual, utilizó como modelos a actores del cine pornográfico y elementos de la cultura sado-masoquista de forma intencional, temas controvertidos que con el tiempo fueron utilizados como símbolos de la cultura LGBT en su lucha por la igualdad y el reconocimiento. En 1978, publicó el X Portfolio y el Y Portfolio en ediciones limitadas. El X Portfolio gira en torno a las imágenes fotográficas de comportamiento sadomasoquista, mientras que el Y Portfolio se centra en las flores y bodegones. En 1981, publicó el Z Portfolio, que se centra los hombres afroamericanos, también en una edición limitada.

El X Portfolio de Mapplethorpe provocó la atención en Estados Unidos a principios de los años 1990, cuando fue incluido en Robert Mapplethorpe: The Perfect Moment (Robert Mapplethorpe: el momento perfecto), una exposición itinerante financiada por National Endowment for the Arts. El X Portfolio incluye algunas de las más explícitas imágenes de Mapplethorpe, incluyendo un autorretrato con un látigo insertado en su ano.7 Aunque su trabajo había sido mostrado en exposiciones financiadas con fondos públicos, conservadores y organizaciones religiosas, como la American Family Association aprovecharon esta exposición para oponerse al apoyo del gobierno para lo que llamaban "nada más que la sensacional presentación de material posiblemente obsceno".  Como resultado de ello, Mapplethorpe se convirtió en un referente para ambos lados de la "Guerra Cultural Americana". La exhibición de El momento perfecto en Cincinnati dio lugar al procesamiento del director del Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, Dennis Barrie, bajo la acusación de "obscenidad y pornografía infantil". Aunque tanto Barrie como el Centro de Arte Contemporáneo fueron absueltos, una de las consecuencias fue la demostración de lo amenazadoras que las imágenes de homosexualidad masculina podían resultar para el público norteamericano.

Sus fotografías sexualmente connotadas de hombres afroamericanos han sido objeto de críticas por explotación. Esta crítica fue el tema de una obra del artista conceptual norteamericano Glenn Ligon, Notas al margen del Libro Negro (1991-1993). Ligon yuxtapone varias de la más icónicas imágenes de hombres afroamericanos de Mapplethorpe, extraídas de su Libro Negro, de 1988, con diversos textos críticos para complicar el trasfondo racial de las imágenes.

El escándalo Corcoran. Fachada de mármol de laGalería Corcoran.

En junio de 1989 el artista Pop Lowell Nesbitt Blair se involucró en el escándalo que afectaba a su amigo Robert Mapplethorpe. La Corcoran Gallery of Art, el museo de arte más antiguo de Washington DC, había accedido a acoger una exposición individual de las obras de Robert Mapplethorpe, sin hacer una estipulación en cuanto a qué tipo de temática se utilizaría. Mapplethorpe decidió hacer su famoso debut de fotografías "sexually suggestive" (sexualmente sugestivas), que era una nueva serie que estaba explorando poco antes de su muerte. La jerarquía de la Corcoran, e incluso algunos miembros del Congreso se horrorizaron cuando les fueron mostradas las obras, por lo que el museo se negó continuar con la exposición. Fue en este momento en que Lowell Nesbitt Blair dio un paso adelante; fue durante largo tiempo amigo de Mapplethorpe y reveló que había dispuesto un legado en obras por un valor estimable en 1.500.000 dólares para el museo en su testamento, aunque, en declaraciones públicas que causaron un gran interés en la prensa al respecto de la cuestión, Nesbitt prometió que si el museo se negaba a acoger la exposición de las polémicas imágenes creadas por Mapplethorpe podría revocar su legado. El Corcoran se negó y Lowell Nesbitt Blair cambió el destino de su legado a la Colección Phillips, que citó como una fuente de inspiración en los comienzos de su carrera, cuando había trabajado allí en su juventud como vigilante nocturno.

Después de que la Corcoran Gallery of Art rechazara la exposición de Mapplethorpe, la comunidad de artistas de Washington, en represalia, ofreció una presentación nocturna de diapositivas de las fotos más explícitas sobre la fachada de mármol de la Corcoran. Una pequeña organización artística sin ánimo de lucro, el Proyecto de Washington para las Artes recogió y mostró las imágenes de la polémica en su propio espacio, desde el 21 de julio al 13 de agosto de 1989. La WPA no tenía un gran edificio, y estaban acostumbrados a recibir unos 40 visitantes cada fin de semana. Durante el primer fin de semana de la exposición de Mapplethorpe, 4000 personas se hacinaron en la galería.






                                                                      






Jan Saudek 

Praga, 1935



La obra de Saudek está profundamente marcada por dos elementos: por una parte su infancia, cuando, internado con su hermano mellizo en un campo de concentración logró escapar por un golpe de suerte de los experimentos de Josef Mengele, y por otra, la visita a la exposición "The family of man" que el valoró como una expresión de una profunda necesidad de armonía familiar, y le abrió la perspectiva de expresarse a través de la fotografía.

Estudió en la escuela de fotografía industrial de Praga de 1950 a 1952, y seguidamente ejerció varios oficios, tanto en el campo como en un gran número de fábricas. 




Se ocupa de la fotografía desde comienzos de la década del 50 y escenifica en sus imágenes la propia realidad.
Saudek fué uno de los primeros fotógrafos Checos cuya obra fue conocida en occidente.


Su fotografía, en un principio en blanco y negro y luego coloreada, gira entorno a la sexualidad y la relación hombre-mujer, la edad madura y la juventud, la vestimenta y la desnudez. En general saca partido de los antagonismos, para dar mayor fuerza a sus obras.



La fotografía, desde un punto semiótico, siempre presentó problemas, según el filósofo francés Roland Barthes. En una fotografía tenemos un conjunto de signos (desordenados) que no están codificados, y esto crea una especie de "crisis comunicativa". Pese a toda esta teoría, es posible percibir en este tipo de trabajo (el de J. Saudek) todo un mundo que trasciende el plano simplemente físico, elevándose a un sentido "artístico": un nuevo mundo es creado.










Nan Goldin



Goldin nació en Washington, DC , y se crió en el Boston, Massachusetts suburbio de Lexington, a la clase media judía padres. El padre de Goldin trabajó en la radiodifusión, y se desempeñó como economista jefe de la Comisión Federal de Comunicaciones . Después de asistir a la cercana escuela secundaria de Lexington, se matriculó en la Escuela Comunitaria Satya en Lincoln , donde un profesor le presentó a la cámara en 1968. Goldin fue entonces quince años. Su primera exposición individual, que tuvo lugar en Boston en 1973, se basó en sus viajes fotográficos entre la ciudad de los homosexuales y transexualescomunidades, a lo que ella se había introducido por su amigo David Armstrong . Goldin se graduó en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston /Universidad Tufts en 1977/1978, en la que había trabajado sobre todo con Cibachrome impresiones.

Después de graduarse, se mudó a Goldin ciudad de Nueva York . Ella comenzó a documentar el post-punk escena de la música de la nueva ola, junto con la ciudad vibrante, post- Stonewall gay subcultura de la década de 1970 y principios de 1980. Se sentía atraída especialmente al Bowery 'subcultura de drogas duras s; estas fotografías, tomadas entre 1979 y 1986, forman su famosa obra La Balada de la Dependencia Sexual - un título tomado de una canción deBertolt Brecht 's ópera de tres centavos . Estas instantáneas estéticas imágenes muestran el uso de drogas,, parejas agresivos violentos y momentos autobiográficos. La mayoría de sus Balada sujetos habían muerto por la década de 1990, perdieron ya sea para la sobredosis de drogas o el sida , lo que cifra incluía amigos cercanos y los sujetos a menudo fotografiados Greer Lankton y Cookies Mueller . [ 3 ] En 2003, The New York Times hizo una seña al impacto de la obra , explicando Goldin ha "forjado un género, con la fotografía como influyentes como cualquier otra en los últimos veinte años". [ 4 ] Además de Balada, combinó sus fotos Bowery en otras dos series: "Seré su espejo" (de una canción en The Velvet Underground 's The Velvet Underground y Nicoálbum) y "All By Myself".

La obra de Goldin es más a menudo presenta en forma de un pase de diapositivas , y se ha mostrado en festivales de cine, siendo su más famoso un show 45 minutos en el que se muestran 800 fotografías. Los principales temas de sus primeros cuadros son el amor, el sexo, la domesticidad y la sexualidad; estos marcos son generalmente tomadas con la luz disponible . Ella ha documentado cariñosamente mujeres que buscan en los espejos, las niñas en los baños y cantinas, drag queens, actos sexuales y la cultura de la obsesión y dependencia. Las imágenes se ven como un diario privado hecho público. 

La obra de Goldin desde 1995 ha incluido una amplia gama de temas: los proyectos de colaboración de libros con el famoso fotógrafo japonés Nobuyoshi Araki , horizontes de Nueva York; paisajes extraños (sobre todo de las personas en el agua), su amante, Siobhan, y los bebés, la paternidad y la vida familiar .

Goldin vive en Nueva York y París -una de las razones que los franceses Pompidou Centre montado una gran retrospectiva de su obra en 2002. Su mano se lesionó en una caída en el año 2002, y actualmente conserva menos capacidad para convertirlo que en el pasado.


Nan Goldin, Navidad en el Otro Lado, Boston , 1972, impresión de gelatina de plata, 16 x 20 pulgadas

En 2006, su exposición, que persigue un fantasma, abrió sus puertas en Nueva York . Fue la primera instalación por ella para incluir imágenes en movimiento, una puntuación totalmente narrativa, y la voz en off, y contó con la inquietante diapositiva de tres pantallas y de presentación de vídeoHermanas, Santos, y sibilas . El trabajo involucró a su hermana suicidio de Barbara y cómo ella hizo frente mediante la producción de numerosas imágenes y narraciones. Sus obras se están desarrollando cada vez más en las características cinemaesque, ejemplificando su graviation hacia el trabajo con películas. 

Sello australiano Scanlan y Theodore encargaron Goldin con su campaña de primavera / verano de 2010, disparó con la modelo Erin Wasson en el estado de Nueva York. Por encargo de la etiqueta de lujo italiana Bottega Veneta , fotografió modelos Sean O'Pry y Anya Kazakova para la primavera / verano de la campaña de la marca de 2010, evocando recuerdos de su balada de Sexual Dependency fotos.  En 2011, Goldin realizó una campaña de publicidad con el modelo Linda Vojtova de zapatero de lujo Jimmy Choo . En 2013, fotografió la campaña publicitaria de Dior titulado 1000 VIDAS, con Robert Pattinson
Publicaciones 

Goldin publicó La Balada de la Dependencia Sexual en 1986, junto con la ayuda de Marvin Heiferman , Mark Holborn, y Suzanne Fletcher, como un "diario visual" de un grupo cercano de personas Goldin refiere como su "tribu". Este libro contiene una amplia selección de sus fotografías incluyendo un delantero escrita por ella misma. En este avance se describe este libro como un "diario de [ella] permite que las personas leen". Las fotos muestran una transición a través de los viajes de Goldin y su vida. En el final de su escrito Goldin incluye una pequeña dedicatoria "a la memoria real de mi hermana, Barbara Goldin". 

Goldin también se ha incluido en los trabajos publicados, tales como Auto-Focus. Un libro dedicado a los autorretratos de fotógrafos contemporáneos por Susan Bright. Goldin ha incluido tres fotos de sí misma desde diversos años de su vida. Sus fotografías son descritos como una forma de "aprender las historias y los detalles íntimos de aquellos armario a ella." Habla de su actitud y estilo sin concesiones al fotografiar actos tales como el consumo de drogas, el sexo, la violencia, los argumentos, y los viajes. Hace referencia a una de las famosas fotos de Goldin Nan Un mes después de ser Maltratadas, 1984 como una imagen icónica que usa para recuperar su identidad y su vida. 

Goldin ha publicado muchos libros específicamente su biografía y libro llamado Nan Goldin con la ayuda de Guido Costa. Este libro abarca sus fotografías y su vida como un fotógrafo reconocido a nivel internacional. Zona de juegos del Diablo es una de las más famosas obras publicadas de Goldin, incluyendo sus imágenes más modernas de sus elementos de la serie, 57 días, todavía en la tierra, y de aquí a la maternidad. Ella también ha sido ofrecido y se incluyen en las obras publicadas como Emociones y Relaciones y según cuenta la historia, que se centran en la fotografía como una forma de registrar la vida cotidiana. Ambos libros incluyen provocativa e influyente fotógrafos junto con Goldin. Otras obras que ha publicado como Eden y después  y el otro lado. 



La crítica 
Algunos críticos la han acusado de hacer la heroína de uso parece glamoroso y la innovación de una grunge estilo que más tarde se popularizó por las revistas de moda juvenil, como la cara y la ID . Sin embargo, en una entrevista en 2002 con The Observer , Goldin ella llama el uso de la " heroína elegante "para vender ropa y perfumes" reprobable y el mal ". 

Censura 

Una exposición de la obra de Goldin fue censurado en Brasil, dos meses antes de la apertura, debido a su naturaleza sexual. La razón principal fue las fotografías que contienen actos sexuales junto a los niños.  En Brasil, hay una ley que prohíbe la imagen de los menores de edad relacionados con la pornografía. El patrocinador de la exposición, una empresa de telefonía celular, afirmó no tener conocimiento del contenido de la obra de Goldin y que existía un conflicto entre el trabajo y su proyecto educativo. El conservador del Museo de Río de Janeiro de Arte Moderno cambió el horario para dar cabida, en febrero de 2012, la exposición Goldin en Brasil. 











Rineke Dijkstra




Dijkstra se centra en retratos individuales, y por lo general trabaja en serie, mirando a grupos como los adolescentes, los clubbers y soldados, de los retratos de playa de 1992 y en adelante, a la instalación de vídeo Buzzclub / Mysteryworld (1996-1997), la serie Tiergarten (1998 -2000), los soldados israelíes (1999-2000), y los retratos de un solo sujeto en transición serial: Almerisa (1994-2005), Shany (2001-2003), Olivier (2000-2003), y el Parque de retratos (2005-2006 ).  Sus temas se presentan a menudo de pie, frente a la cámara, contra un fondo mínimo. Este estilo de composición es tal vez más notable en sus retratos de playa, que por lo general cuentan con uno o más adolescentes contra un paisaje marino.Este estilo se ve de nuevo en sus estudios de las mujeres que acaban de dar a luz.

Dijkstra Fechas de su despertar artístico a un autorretrato de 1991. Tomado con una cámara de 4 por 5 pulgadas después de que ella había salido de una piscina - terapia para recuperarse de un accidente de bicicleta -. Se la presenta en un estado de casi colapso Por encargo de un diario holandés para hacer fotografías basado en la noción de verano, que luego tomó fotografías de los bañistas de los adolescentes.  Este proyecto resultó en la playa de retratos (1992-1994), una serie de larga duración, cerca de fotografías a color de tamaño natural de los adolescentes y los niños un poco más jóvenes toman . en la orilla del mar en los Estados Unidos, Polonia, Reino Unido, Ucrania y Croacia La serie la llevó a la fama internacional después de que se exhibió en 1997 en la feria anual de la nueva fotografía en el Museo de Arte Moderno de Nueva York;  En 1999, el museo mostró Odessa, Ucrania, 04 de agosto 1993 , una fotografía en color de un adolescente en una playa, junto a Cézanne 's Male Bañista (1885 a 1887). 

Iniciado durante la residencia de Dijkstra en el DAAD , Berlín en 1998-1999, el Tiergarten serie (1998-2000) muestra retratos de adolescentes de ambos sexos fotografiado en el parque Tiergarten de Berlín, así como en otro parque en Lituania. Otra serie de obras de fue encargado por la Fundación Ana Frank en Amsterdam para su nuevo edificio: retratos de colegialas adolescentes con sus mejores amigos, un conmovedor recordatorio de que cualquier chica podría ser un " Anne Frank "en circunstancias desafortunadas. Estos retratos fueron tomados principalmente en Berlín, aunque Dijkstra luego se expandió para incluir a sus súbditos de Milán, Barcelona y París. 

Durante un proyecto de documentar los refugiados, de seis años de edad, Almerisa, cuya familia huyó de Bosnia, pidió Dijkstra para tomar su foto. Así comenzó proyecto de serie de Dijkstra, trazando las transiciones de su sujetas tanto a través de la adolescencia y la reubicación de este a oeste de Europa. Una serie posterior muestra a una joven mujer israelí, Shany, en etapas a lo largo de un año y medio, a partir de su primera días en un uniforme del ejército hasta después de que renunció al ejército.  El Olivier serie (2000-03) sigue a un hombre joven, Olivier Silva,  a partir de su alistamiento con la Legión Extranjera francesa a través de los años de su servicio en Córcega , Gabón, Costa de Marfil y Djibouti,  que muestra su desarrollo, tanto físico como psicológico, en un soldado.  Para las series de retratos Parque (2003-06), Dijkstra fotografió a niños, adolescentes y jóvenes momentánea suspensión sus actividades variadas para mirar a la lente de lugares de interés turístico en Amsterdam Vondelpark , de Brooklyn Prospect Park , de Madrid El Parque del Retiro , y Xiamen Amoy Jardín Botánico 's, entre otros. 

Dijkstra utiliza una cámara japonesa de campo de 4 por 5, con un objetivo estándar en un trípode y un flash en otro trípode detrás de él. Esta disposición requiere que los sujetos de pie y posar durante varios minutos a la vez, inducir incomodidad. Incluso cuando ella fotografió los niños en la playa ella utilizó esta misma configuración, con un flash portátil para reducir el contraste y poder observar los rostros ligeramente fuera de la sombra, la modulación de la luz del sol. Sin embargo, la luz del día es siempre la fuente de luz principal. En 1998 empezó a imprimir sus fotografías en el Grieger Photo Lab en Düsseldorf, Alemania, a dos horas y media en tren de Amsterdam, donde Thomas Struth yAndreas Gursky , entre otros fotógrafos de arte europeas de impresiones a gran escala, el trabajo. Sus fotografías se emiten normalmente en las ediciones de diez o quince años.




Dijkstra también ha experimentado con el vídeo en obras como la proyección de dos canales El Buzzclub, Liverpool, Reino Unido / Mysteryworld, Zaandam, NL (1996-1997), Ruth Drawing Picasso, Tate Liverpool, Reino Unido (2009), la instalación de cuatro canales El Krazyhouse (Megan, Simon, Nicky, Philip, Dee), Liverpool, Reino Unido, (2009), y la pieza de vídeo de tres pantallas que veo a una mujer llorando (Mujer Llorando) (2009-2010). Para El Buzzclub, Liverpool, Reino Unido / Mysteryworld, Zaandam, NL , el artista visitó dos clubes nocturnos, la primera en Liverpool, con predominio de 15 años de edad, las niñas de la clase obrera, y la segunda, en los Países Bajos, un lugar frecuentado por la clase trabajadora chicos con la cabeza rapada, vestido con trajes a juego de hip-hop. Dijkstra establecieron estudios en los clubes y pidieron voluntarios para bailar de uno en uno en frente de la cámara, el contraste entre las niñas y los niños, cada uno asertivo y vulnerable en igual proporción, siendo un tema del vídeo.Ella hizo otro video en 1997, Annemiek , que mostró un adolescente holandés tímido canto a Backstreet Boyscanción al estilo karaoke '. Por Ruth Drawing Picasso , Dijkstra simplemente entrenó al cámara en una colegiala Inglés mientras se sentaba en el suelo, con atención esbozar un retrato de Dora Maar en la Tate Liverpool.  EnVeo a una mujer llorando (Llorona) , Dijkstra utiliza de Picasso La mujer que llora (1937) en la Tate Liverpool como el dispositivo de distracción para un grupo de escolares ingleses, a quienes se pidió que describieran lo que veían en la pintura que nunca aparece en la pantalla. 







Pierre et Gilles





Pierre Commoy, el fotógrafo, nació en 1950 en La Roche-sur-Yon .  Gilles Blanchard, el pintor, nació en 1953 en Le Havre . En la década de 1970, Blanchard se graduó en la École des Beaux-Arts en Le Havre, mientras Commoy estudió fotografía en Ginebra

En 1974, Blanchard se trasladó a París para pintar y hacer ilustraciones para revistas y anuncios. Commoy comenzó a trabajar como fotógrafo para las revistas Rock & Folk , Depeche Mode y la entrevista

En el otoño de 1976, Commoy y Blanchard se reunieron en la inauguración de un Kenzo boutique en París, y comenzaron a vivir juntos en un apartamento en la Rue des Blancs-Manteaux que también utilizan como estudio. El próximo año que empezaron a trabajar juntos; Blanchard haría la pintura y Commoy tomó las fotos. Su avance pública llegó con sus imágenes para la revista Fachada , con los retratos de Andy Warhol , Mick Jagger y Iggy Pop

En 1979 se trasladaron a la Bastilla trimestre, hicieron sus primeras obras para Thierry Mugler , fundas para discos diseñados para amigos artistas, anuncios de moda tiro y retratos para revistas. Ellos también hicieron su primer viaje a la India, un país que ha inspirado gran parte de su trabajo. 

En 1983 Pierre et Gilles tuvo su primer show personal en la Galerie Texbraun en París. 

En 1984 trabajaban extensivlely para artistas musicales como Mikado (para los que dirigieron su primer video), Sandii , Etienne Daho , Sheila y Krootchey. 

En 1987 viajó de nuevo a la India, y comenzaron a trabajar en los temas religiosos y mitológicos. 

En 1989 se convirtió en amigo de Marc Almond , con quién iban a trabajar durante muchos años. 

En 1993 Pierre et Gilles fueron galardonados con el Gran Premio de Photographie por la ciudad de París, y produce obras de arte de Absolut Vodka

Su primera exposición retrospectiva fue en 1996, en la Maison Européenne de la Photographie de París. 

En 2000 Pierre et Gilles tenía una gran retrospectiva en el Museo Nuevo en Nueva York.

En 2007 Tenían una gran retrospectiva en la Galerie Nationale du Jeu de Paume de París.
Trabaje [ editar ]





Las personas fotografiadas por Pierre et Gilles son: músicos Amanda Lear (la cubierta de su álbum de 1980 Diamantes para desayuno , una de sus primeras asignaciones), Lio , Khaled , Étienne Daho , Marie Francia , Mikado , Marc Almond , Leslie Winer , Marilyn Manson , Madonna , Kylie Minogue , Erasure , Deee-Lite , The Creatures , Nina Hagen y CocoRosie (la portada de su álbum de 2007 The Adventures of Ghosthorse y Stillborn ); modelo Naomi Campbell, las actrices Tilda Swinton y Catherine Deneuve , actores Jérémie Renier y Layke Anderson y también los diseñadores Jean-Paul Gaultier y Paloma Picasso .











Tracey Moffatt

Dirigieron de Marc Almond 1990 video musical para la canción "Una amante despechada" y de Lamour videoclip para "foutu Tu es".
Tracey Moffatt (nacido el 12 de noviembre 1960) es un artista australiano que utiliza principalmente la fotografía y el vídeo
Nacido en Brisbane en 1960, es licenciado en comunicación visual de la Universidad de Queensland de Arte , donde se graduó en 1982.


1990 
Serie fotográfica de Moffatt de obras como Pet Thang (1991) y El láudano (1998) volvió a los temas de Algo Más explorar mixta ya veces oscuras referencias a temas de sexualidad, la historia, la representación y la raza. Otra serie de imágenes, en particular Scarred for Life (1994) y Scarred for Life II (1999) de nuevo abordó estos temas, sino que tomó la forma de libro o revista ilustraciones con leyendas que ofrecen comentarios irónicos y humorísticos sobre las imágenes .. 

A medida que su trabajo progresó en la próxima década, Moffatt comenzó a explorar las narrativas en los entornos más góticos. En Up in the Sky [1998] la obra del artista volvió a utilizar una narrativa secuencial, pero en lugar de utilizar ajustes de la fantasía, una historia acerca de "de Australia generación robada "- fue promulgada - niños australianos indígenas que fueron sacados de sus familias y reubicadas por la fuerza en virtud de la política del Gobierno y realizado en el lugar en el outback de Queensland. En Invocaciones (2000) Moffatt usa una configuración regional no específico para un psicodrama ambiguo que recuerda las películas de ficción y de la fantasía de América del Sur de principios del siglo 20. [ cita requerida ]
2000
En 2000, el trabajo de Moffatt fue uno de los ocho grupos individuales o de colaboración de artistas australianos indígenas incluidas en una gran exposición de arte indígena australiano que tuvo lugar en el prestigioso Salón de Nicholasen el Museo Hermitage de Rusia. La exposición tuvo una recepción positiva por parte de los críticos rusos, uno de los cuales escribió:
Se trata de una exposición de arte contemporáneo, no en el sentido de que se ha hecho recientemente, pero ya que está encajonado en la mentalidad, la tecnología y la filosofía del arte radical de los tiempos más recientes. Nadie, aparte de los aborígenes de Australia, ha tenido éxito en la exhibición de este arte en el Hermitage. 
El trabajo de Moffatt desde 2000 se ha retirado de lugares específicos y temas y llegar a ser afectado con la fama y la celebridad más explícita. Su serie IV [2001] Las imágenes de los deportistas de las utilizó Juegos Olímpicos de verano 2000 vienen cuarto en sus diversas competiciones. Buscando para subrayar su condición de fuera, las imágenes son tratadas de modo que sólo el cuarto lugar titular innoble se resalta.
2003 vio Moffatt nombrado por la revista australiana Coleccionista de arte como uno de los 50 artistas más coleccionables del país. 

Serie Adventure [2004] es la serie de fantasía más descarada de Moffatt usando fondos pintados, trajes y modelos [incluyendo la propia artista] para promulgar una telenovela como el drama de médicos, enfermeras y pilotos en un entorno tropical. bajo el signo de Escorpio [2005] es una serie de 40 imágenes en las que el artista asume la personalidad de las mujeres famosas nacidas - como el artista - bajo el signo zodiacal de Escorpio. La serie reitera los intereses del artista en curso en las celebridades, personalidades alternas y realidades construidas. De Moffatt 2007 series de retratos explora la idea de "celebridad" entre las personas de su círculo social inmediato - miembros de la familia, compañeros artistas, su distribuidor - a través de las representaciones 'glamour' de la cara utilizando la tecnología informática, el encuadre repetitivo y colores brillantes.





El trabajo de Moffatt en el cine y el vídeo ha incluido cortometrajes experimentales de vídeo y una función de cine . Los cortometrajes se basan en los estilísticos del género características del cine experimental - generalmente incluyendo escenarios narrativos no realista a menudo tomadas en estudios de sonido haciendo eco de su trabajo en todavía la fotografía . Los primeros trabajos como Nice Girls coloreados y Night Cries también utilizan mezclas de sonido que refuerzan la 'falsedad' de la configuración y el uso de dispositivos de cine experimental trillados como grabaciones de campo de sonido y los tonos bajos para proporcionar la atmósfera. Su breve vídeo funciona como artista[2000] utilizan el cortar la metodología de toma de imágenes de fuentes pre-existentes y volver a editarlos en comentarios irónicos sobre el material - Artista por ejemplo proporcionando un comentario sobre el papel cliché del artista enHollywood el cine, y su Condenado [2007] - realizada en colaboración con el artista Gary Hillberg - una colección de escenas de destrucción de las películas de desastres. Su largometraje acosan es un trío de narrativas temáticas en torno a los espíritus y fantasmas.
"Night Cries: Una tragedia rural" [1989] 
Principalmente de una serie de viñetas casi estáticas, Night Cries reitera muchos de los motivos visuales de Moffatt de la fotografía fija - conjuntos, no de acción, un uso evocador del sonido y la música. En Night Cries intentos de Moffatt para dibujar connotaciones irónicas o románticas en yuxtaposición con las imágenes y narrativas, como la utilización de Jimmy poco . Moffatt también hace referencias explícitas a la historia del arte australiano, estableciendo paralelismos entre la historia indígena y la grabación del paisaje por artistas no indígenas citando artistas como Frederick McCubbin 's The Pioneer . Esta película fue seleccionada para la competición oficial en el Cannes Film Festival en 1990.
"Acosan" [1993] 
Artículo principal: bedevil

Se muestra en el Festival de Cine de Cannes 1993 , acosan se compone de tres relatos independientes con motivos visuales recurrentes. En la primera historia de Mister Chuck Moffatt usa el carácter de un soldado estadounidense, en la segunda parte Choo Choo Choo Choo vías férreas conectan una serie de eventos y en la parte final Lovin 'Spin Estoy en un propietario que desaloja a una familia de una casa. Las imágenes fueron inspiradas en parte por los recuerdos de su vida anterior.
"Heaven" [1997] 

En la película de Moffatt, cielo , imágenes de hombres cambiándose en un aparcamiento cerca de una playa se recogen juntos, el cineasta de tomar la posición de un voyeur.
"Lip" [1999] 

En Lip , Moffatt coteja clips de sirvientes negros en las películas de Hollywood que hablan de nuevo a sus 'jefes', tratando de exponer las actitudes a la raza que se encuentran frecuentemente en el cine mainstream.
"Artist" [2000] 

De Tracey Moffatt artista es una colección de clips de películas y programas de televisión que muestran los artistas en el trabajo, en el juego y en el acto de la creación. Al mostrar el sesgo particular de la televisión y el cine a lo que el papel de un artista significa al parecer a la sociedad moderna, la película refleja la opinión veces desinformada, a veces humorística de la sociedad hacia los artistas de hoy.
"Revolution" (2008) 




Se muestra en la galería de arte de Australia en Nueva Gales del Sur.






Cap comentari:

Publica un comentari a l'entrada